Child in Time

D.O.: Heavy Metal
Bodega: "Deep Purple"
Cosecha: 1972

"Todo el mundo sabe que la perfección del Rock se alcanzo en agosto de 1972" 

Homer Simpson  

"Child in time" 

Si en mi anterior entrada hable de un gran disco hoy quiero hablar de la que para mi es una de las mejores canciones del rock de todos los tiempos, "Child in time", de Deep Purple; y en concreto de la que para mi es la mejor versión grabada de la misma, la del concierto que diera la banda en Osaka el 16 de Agosto de 1972. 

Podría hablaros del disco de estudio en el que apareció por vez primera la canción, In Rock, o del disco en directo del concierto de Japón en el que se recoge, el mítico Made in Japan, pero por su importancia quiero hablaros ahora de esta sola canción, para mi la mejor de la banda, en su mejor interpretación; (lo que para mi es catalogarla como quizás el mejor reserva de mi bodega). 

Y no sólo para mi es una obra cumbre del rock, esta canción, una de las primeras canciones del heavy metal, ha sido apreciada por multitud de aficioandos al rock, (Made in Japan es el disco en vivo más vendido de la historia), y muchas listas de discos y críticos musicales han colocado en la cima de las interpretaciones en directo de toda la historia del rock, el Child in Time como una de las mejores interpretaciones, donde la voz Ian Guillan alcanza los considerados como agudos más altos del rock.

Entrando ya en faena diré que la canción apareció originalmente en otro reseñable directo, el proyecto personal de Jon Lord "Concerto for Group and Orchesta", interpretado y grabado por primera vez el 24 de septiembre de 1969, (un año antes de la publicación de In Rock), en el Royal Albert Hall de Londres, con una duración de 12:06, y ocupando el cuarto lugar del programa, con letra de Ian Guillan y música de los cuatro componentes de la que fue la segunda formación del grupo, Mark, (Mk), II con: Ritchie Blackmore, Ian Paice, Jon Lord y Roger Glover amén del propio Guillan; y bajo la producción del propio grupo. 

En lo referido a su publicación como tema en el disco In Rock por Harvest Records, esta se produjo en junio de 1970, (grabándose el disco entre agosto de 1969 y mayo de 1970 en IBC, De Lane Lea y Abbey Road Studios), apareciendo como la terecera pista del mismo con una duración 10:14 minutos. 

La canción se escribió en 1969, y debemos decir que se inspiró, (en concreto, el tema y el fraseo del órgano de Lord), en un riff de la canción "Bombay Calling" de la banda hippie californiana It's a Beautiful Day, (no puede hablarse de plagio, ya que ambas formaciones parecián estar de acuerdo: Deep Purple prestaría a cambio su tema "Wring That Neck" del anterior trabajo de la banda The Book of Taliesyn para que It's a Beautiful Day lo tomara como base de su "Don and Dewey", en su segundo álbum Marrying Maiden de 1970). Ian Gillan una entrevista en 2002 dirá al respecto: "Hay dos lados en esa canción: la parte musical y el lado lírico. La parte musical, surge de la canción "Bombay Calling", del grupo It's a Beautiful Day que era fresco y original, cuando Jon un día la interpretó en su teclado, sonaba bien, y pensamos que sería bueno interpretarla con él, cambiar un poco y hacer algo nuevo manteniendo la base. Para entonces, nunca había oído hablar del original "Bombay Calling", por eso creamos esta canción con la Guerra Fría como tema, y escribí las líneas de "Sweet child in time, you'll see the line". Así es como la parte lírica entró luego, Jon tenía las partes de teclado listas y Ritchie tenían las partes de guitarra también preparadas. La canción básicamente refleja el estado de ánimo del momento, y por eso se hizo tan popular". 

Ahora bien, no acaba aquí la historia del origen de la canción. La canción en realidad se remontaría al año 1962 cuando Vince Wallace, un músico de jazz de Oakland, asegura que la escribió por primera vez, como un hard bop de jazz, siendo luego reinterpretada como rock and roll por David Laflamme, despues de que Wallance se la enseñara en 1966. Esta reinterpretación la hizo Laflamme durante su integración de en The Electric Chamber Orchestra, luego conocida como Orkustra, una banda a caballo entre lo sinfónico y la psicodelía que toco brevemente durante el verano de 1967, (y cuyos temas fueron editados en 2006 por el sello suizo RD) .

Posteriormente Laflamme formaría de It's a Beautiful Day e incorporaría en los créditos de la canción a Wallance en un primer momento, pero Laflamme terminaría por incribirla en el registro de la propiedad intelectual como propia. Wallance, núnca ha probado su autoría, (hay una grabación de su "Bombay Calling", pero no esta demostrada la fecha de dicha grabación), con lo que nunca ha combrado derechos ni por "Bombay Calling", ni por "Child in time" como obra derivada, (si bien es cierto que Deep Purple desconocía la existencia de la obra de Wallance y ha confiado en la fidelidad del registro a favor de It's a Beautiful Day). 

 

Visto lo anterior, y entrando en el análisis de la versión grabada en el Made in Japan, diremos que su duración es de 12:15 minutos en el vinilo original, y de 12:18 en el CD, a las que podríamos añadir la versión remasterizada de la grabación con 10:18 minutos. 

En lo que hace a su contenido, esta versión del Child in Time combina las típicas características musicales del grupo: golpes de hard-rock en lo riffs de Blackmore, las cadencias clásicas del órgano de Lord, el canto extático de Gillan y la buena conducción en la batería y bajo de y Paice y Glover; si bien este directo parece una competición de alarde musical de Lord al órgano y la guitarra de Blackmore. En cuanto a Gillan la exigencia vocal llega al paroxismo y sus gritos estremecen a cualquiera que los oiga. 

Esta canción líricamente oscura y dramática, es una composición en apariencia simple, con estructura: intro-A-B-A más una coda que presenta una serie de sonidos de carácter progresivo. 

La introducción relativamente simple es pues de Jon Lord, que toca su solo mediante un patrón rítmico con un órgano Hammond acompañado de percusión contenida por la batería de Paice. La voz de Ian Gillan, se incorpora in crescendo en la parte A utilizando su rango vocal completo que va, desde el canto silencioso inicial, al sonido alto y agudo final, entrado el bajo de Glover como acompañamiento. Así, el tema va ganando en intensidad poco a poco, junto al órgano y la guitarra que se unen en el acompañamiento, hasta llegar al clímax extático con los desgarrados y agudos gritos de Gillan al modo de una plañidera. Y ello, antes de entrar en la parte B, donde Ritchie Blackmore cambia totalmente la tónica de la canción con un largo e intenso solo de dos minutos de duración, con tres power chord, que se acumulan a un ritmo de juego rápido para luego terminar abruptamente y dar paso de nuevo a la introducción y el tema A. La repetición de la intro y A presenta leves variaciones y termina de la misma manera que en la ocasión anterior, pero se deja llevar hasta una coda en el que aumentan progresivamente la intensidad y el ritmo de la canción con una repetición completa y más breve del ciclo A-B. 

Por último sobre la letra que pasamos a reproducir, decir que es un alegato antibelicista tanto por la Guerra de Vietnam como por la Guerra Fría vigentes en aquél momento: 

"Sweet child in time, you'll see the line 

The line that's drawn between, the good and the bad 

See the blind man, shooting at the world 

Bullets flying, taking toll 

If you've been bad, Oh Lord I bet you have 

And you've not been hit by flying lead 

You'd better close your eyes, and bow your head 

And wait for the ricochet"

(Traducción: "Dulce niño, en el tiempo verás la línea, 

la línea que se establece entre el bien y el mal. 

Mira al hombre ciego disparando al mundo, 

las balas volando cobrando el peaje. 

Si has sido malo, Señor, apuesto a que lo has sido, 

y no te ha alcanzado el plomo volador, 

mejor será que cierres los ojos e inclines tu cabeza 

y esperar para el rebote de la bala"). 

Concluiremos antes de oir la canción del concierto de Osaka, en su versión remasterizada, con el capítulo del anecdotario: 

• La mas conocida anécdota es la leyenda según la cuál un espectador se voló la tapa de los sesos durante la audición de esta canción, sin embargo esta leyenda urbana se basa en un ruido, sobre el minuto 9:43/9:44, del órgano Hammond de Lord que tenía una unidad de reverb de muelles, de forma que si se activa el control de nivel lo suficientemente alto y luego se golpeaba el órgano lo suficientemente fuerte se conseguía ese sonido. 
• Se dice que los decibelios alcanzados por Ian Gillan durante esta interpretación equivalen a los de un avión, (otra leyenda urbana). 
• Esta canción fue un himno para los jóvenes tras el telón de acero. El propio Ian Gillan, escribió: "Por medio de Radio Free Europe esta canción y muchas otras llegaron a los oídos y los corazones de muchas personas tras el Telón de Acero, algo de lo que me enteré muchos años después, es que fue un gran consuelo para ellos cuando entendieron que había algunos amigos amantes de la paz en alguna parte".

A Night at The Opera

D.O.: Rock
Bodega: "Queen"
Cosecha: 1975

"A Night at The Opera" 

En esta primera entrada quiero acercarme a una de las obras cumbres de Queen, la banda formada por: Mercury, May, Taylor y Deacon, que a finales del año 1975 publicó su cuarto álbum LP de estudio con el título de la película de los Hermanos Marx A Night At The Opera de 1935; y ello con el sello Emi-Parlophone y bajo la producción de la propia banda y Roy Thomas Backer. Es de destacar aquí el cambio de compañía discográfica de Trident a Emi y como veremos, la ruptura con su manager y la firma con John Reid, mánager de Elton John; y ello tras el éxito del anterior álbum Sheer Heart Attack, otra obra cumbre en la carrera de la banda, con títulos como Killer Queen. 

Este álbum que contará con el mayor presupuesto hasta la fecha se grabó hasta en seis estudios distintos y como en él propio álbum se indica: "¡Sin sintetizadores!". 

En lo que se refiere al género musical podríamos decir, sin miedo a equivocarnos, que es un refrito de géneros, desde el pop al rock, o desde el country a la ópera. En todo caso se suele calificar como "Ópera Rock" aunque muchas de sus canciones no respondan a éste estilo musical y aunque falte un sólido hilo argumental en el conjunto de temas. 

En cuanto a los temas propiamente dichos incluidos en el LP son: 

1. Death On Two Legs 
2. Lazing On A Sunday Afternoon 
3. I'm In Love With My Car 
4. You're My Best Friend 
5. '39 
6. Sweet Lady 
7. Seaside Rendezvous 
8. The Prophet's Song 
9. Love Of My Life 
10. Good Company 
11. Bohemian Rhapsody 
12. God Save the Queen 

Pasemos a analizarlos: 

1. Death On Two Legs 3:44 

Grabado en los Estudio Sarm East, el título completo original del tema de apertura del álbum es "Death On Two Legs (Dedicated to ...)" y fue escrito por Freddie Mercury. La dedicatoria no escrita de esta recriminatoria canción se entiende referida implicitamente al ex-manager de la banda hasta ese mismo año Norman Sheffield, con el que Queen terminó abruptamente su relación. Destaca, además de la iriente letra, el caótico inicio de la canción con el sonido de motosierra de la guitarra de May, los coros de Tylor y la entrada de piano de Mercury en un sonido agobiante y tenebroso que nos recuerda lo mejor de otras bandas como Black Sabbath.

2. Lazing On A Sunday Afternoon 1:07

Esta canción de Mercury es un homenaje al music hall en el que destaca la voz distorsionada del propio Mercury cantando a través de un sistema en el que el sonido grabado inicialmente se llevaba a una especie de lata que imitaba a un megáfono; y el sonido emitido por esta era captado por los micrófonos finales.

3. I'm In Love With My Car 3:05

Dedicated to Johnathan Harris, boy racer to the end

Escrita por Roger Taylor, esta rápida y frenética canción a caballo entre el blues rock y el hard rock está dedicada al "pipa" de la banda Johnathan Harris y su pasión por los coches, (en concreto por su Triumph TR4), compartida por Taylor y cantada por éste, constituyendo la cara B del single Bohemian Rhapsody antes de su inclusión en el LP. Como particularidad podemos citar que en su origen esta canción surgió de las bromas de May hacia Taylor en su faceta como cantante, compositor y guitarrista; el conocido enfrentamiento de Tylor con Mercury a propósito de la inclusión de tema hasta su inclusión como cara B de Bohemian Rhapsody; la aguda voz de Taylor y, por último, el sonido del Alfa Romeo de Taylor que se escucha al final del tema, y que en la versión original, (como sencillo), se escucha al principio. 

4. You're My Best Friend 2:50 

Si el tema anterior era del batería de Queen, ahora es el bajista John Deacon quién firma la autoría del mismo, dedicándoselo a su esposa Verónica.

Este tema pop se caracteriza por el uso del piano eléctrico Fender por el propio Deacon y por su influencia del denominado sonido "Motown".

5. '39 3:29

Editada como la cara B de la anterior en su publicación como sencillo, aquí entra el cuarto integrante de la banda el guitarrista Bryan May que escribe e interpreta una canción dentro del género skiffle, en la que refleja la conocida como "paradoja de los dos hermanos" dentro de la Teoría de la Relatividad. Presenta unos acordes y melodías country-folk característicos acompañados de los coros de Mercury y Taylor, (en vivo será cantada por Mercury).

 

6. Sweet Lady 4:02
Otra canción de May pero en un estilo totalmente divergente del anterior, ahora estamos ante una canción de puro heavy metal con un inicial riff de May que anticipa un carácter de rock progresivo apenas si apuntado, en la que es una de las tres pistas más largas del disco. Criticada por muchos, no deja de ser una magnífica canción del mejor heavy metal británico. 

7. Seaside Rendezvous 2:14 

Conectada con el segundo tema del álbum, en cuanto al sonido de music hall en el que se inspira, este foxtrot de Mercury presenta una sección puente interpretada por Mercury y Taylor con su sola voz muy característica. También destaca por el uso de diversos metales de viento, incluido un mirlitón marca kazoo, y la simulación de un sonido de claqué a través de una mesa de mezclas.

8. The Prophet's Song 8:20 

Otro título compuesto por May que escribió, tal como el propio guitarrista contó, después de un sueño que había tenido mientras se recuperaba tras caer enfermo al término de la grabación del álbum anterior de la banda: Sheer Heart Attack. 

Con esta canción llegamos a uno de los pesos pesados del álbum, una de las mejores canciones del mismo y una de las mejores del rock de todos los tiempos. Destacaremos en ella su estructura en tres partes claramente diferenciadas con un canon central, así como el uso de un koto japones al inicio y la voz en el canon por Mercury, Taylor y May y que escuchamos repetidamente gracias a dos grabadoras y la reverberación esterofónica de un Echoplex, (tape delay effect originalmente incorporada en las guitarras eléctricas para producir ecos repetitivos), al tiempo que el propio May juega virtuosamente con una guitarra acelerada que convierte el tema en una de las pieza con más fuerte influencia en todo el rock progresivo posterior.

9. Love Of My Life 3.34

Esta balada fue escrita por Mercury para la que entonces era su novia Mary Austin. En esta canción destacaremos al propio Mercury tocando el piano con un rubato pianístico próximo a Chopin y que delata la formación clásica de Freddie. También destaca el hecho de como el propio Mercury interpretó todas las voces a través de un dispositivo multipista. Por último, ademas de la guitarra siempre virtuosa de May, debemos referirnos a los arreglos del mismo que ayudo a Mercury a perfilar la canción, acompañándolo en la interpretación del glissando de arpa en una guitarra acústica Gibson Hummingbird.

10. Good Company 3:17

Otra canción de May, que narra como un hombre se aleja de todos, buscando las "Buenas Compañías" que le recomendaba su padre y así llega a viejo sólo y sin compañía. Esta canción, influenciada en lo lírico y en lo musical por el padre de May, es un charleston, con acordes de blues y jazz al estilo "Dixieland", que encierra una complejidad instrumental enorme para el guitarrista; ya que con su guitarra eléctrica "Red Special" y un "ampli" Deacy, ha de reproducir el sonido de los múltiples instrumentos, tanto de cuerda, banjo o ukelele, como de viento, la trompeta, clarinete o trombón, propios de una banda Dixieland; deviéndose por último, proceder a la grabación separada de cada uno de estos sonidos para su posterior mezcla.

11. Bohemian Rhapsody 5:59

Y por fin, con todos ustedes..., el plato fuerte del disco, la joya de la corona, el tema de entre los temas: Bohemian Rhapsody, el mejor tema del disco, posiblemente el mejor de la banda y uno digno de figurar en el top 10 de cualquier clasificación musical del S. XX. Con esto digo casi todo pero no basta, añadiré que cada una de sus secciones instrumentales fue grabada por separado por cada miembro de la banda hasta su ensamblaje final por Freddie Mercury.

El tema, escrito por Mercury en su casa de Holland Road, en Kensington, (al oeste de Londres), se remonta a los escritos para piano de Mercury iniciados en 1960, y consta de tres secciones musicales principales: una balada, una sección operística central y una final de hard rock, a las que se añaden un interludio entre la balada y la sección operística y una coda final. 

• La primera sección se desdobla a su vez en dos, así la balada presenta una introducción vocal a capela en donde la voz de Mercuy evoluciona desde el si bemol a do en su registro armónico que desemboca en una entrada del piano a la que sigue el bajo de Deacon. A esta introducción le sigue la propia balada donde el piano continúa en si bemol, y tras tres  repeticiones pasa a sol menor y así sucesivamente, para dar paso al solo vocal de Mercury y continuar el bajo en mi bemol junto a la batería de Decon con un tempo 1-1-2. La balada prosigue con la entrada de guitarra de May que continua la melodía incida por el piano en la mayor para desembocar en el solo de May. 
• En cuanto al solo de guitarra diremos que es la única sección no compuesta por Mercury, ya que su autoría es íntegramente achacable a May. Este prodigioso solo de guitarra, considerado uno de los mejores de todos los tiempos, no es sin embargo más que un interludio entre la balada y la sección operística. 
• La tercera sección, la operística, juega de nuevo con la superposición vocálica a través de la grabación de diferentes pistas, lo que ocurre, es que ahora entran en juego también las voces de May como bajo y Taylor como contratenor permitiendo así un sinfín de tesituras corales en las que Mercury recorre la escala musical que queda entre la voz de May hasta la aguda en falsete de Taylor que alcanza el si bemol en la 5ª octava. 
• La última parte presenta un interludio de rock con un ostinato de la guitarra de May a la que acompaña la batería de Taylor. Sigue la voz de Mercury y nuevas voces superpuestas para escuchar de nuevo un solo de guitarra al más puro estilo hard rock y un remate pianístico de Mercury al que se añade la coda final en la que Mercury canta notas ascendientes en si bemol, regresando al tempo y la forma de la introducción y la balada. La línea final del tema se cierra con un golpe de gong de Taylor con la batería. 

12. God Save the Queen 1:12

El postre que toda buena comida debe tener, esta versión del himno británico grabada en 1974 fue introducida en el LP como cierre del espectáculo que el propio álbum representa y que venía interpretándose ya por la banda desde el año anterior.